Военные марши, фронтовые романсы, песни надежды и скорби — весь этот репертуар был инструментом, который работал не только «на публику», но и на результат. Музыка сопровождала каждый этап войны: от мобилизации и отправки на фронт до возвращения домой. В тылу и на передовой она звучала из динамиков, губ гармошки и ржавых патефонов.

Для бойцов песня становилась напоминанием о доме, о нормальной жизни, к которой хотелось вернуться. Она была поддержкой в моменты тишины перед атакой и якорем памяти — способом остаться собой в условиях, где всё личное стиралось.

Специальные музыкальные бригады выступали на фронте, помогая бойцам расслабиться и ощутить атмосферу мирной жизни. Нередко такие выступления проходили в условиях риска, прямо под огнём противника. Перед каждым концертом музыканты настраивали инструменты, снимали напряжение с помощью юмора и эмоций, стараясь поднять настроение себе и солдатам.

Именно такие фронтовые концерты стали одним из значимых факторов в поддержании боевого духа солдат и восстановлении душевных сил.

Песни рождались прямо на фронте, порой из рассказов самих солдат, перенесённых ими страданий и надежд. Интересно, что подобные композиции почти всегда были очень конкретными. В них упоминались адресаты, маршруты, любимые, города. Этот приём создавал эффект интимного разговора — и он работал лучше и искреннее любой пропаганды.

Среди множества авторов той поры выделяются такие творцы, как Леонид Утёсов, Марк Бернес, Лидия Русланова, Яков Дубравин и многие другие, чьи голоса и творчество сопровождали бойцов на протяжении всего военного периода.

Некоторые песни тех лет вошли в золотой фонд советской культуры и надолго закрепились в сердцах народа. Эти композиции быстро стали символами стойкости и человечности. В каждом случае песня была больше, чем просто мелодия — это был рассказ о времени, в котором чувства не отменялись, а обострялись:

Музыкальные произведения были наполнены искренними чувствами и энергией, передавали волю к борьбе и поддерживали моральный дух бойцов. Именно музыка поддерживала солдат и тружеников тыла в минуту слабости, наполняла сердца уверенностью и возрождала стремление к Победе.

Музыка стала неотъемлемой частью Великой Отечественной войны, помогая выжить и одолеть врага. Спустя 80 лет её влияние остаётся значительным, поскольку она сохраняет глубокие эмоции и воспоминания, передаёт поколениям мудрость и жизнелюбие. Современные музыкальные, культурные и творческие проекты перерабатывают, адаптируют, интерпретируют песни военных лет, но главное — поддерживают эту традицию, напоминая о значимости памяти и уважения к прошлому.

В рамках занятия на нашей сетевой программе состоялась дискуссия с продюсером лейбла «Hajime» Батразом. Делимся парой занимательных заметок с той самой встречи.

Как часто идея кажется крутой, а по факту она не выстреливает, как хотелось бы

«Постоянно. При этом, всё, что мы делаем, нам нравится», — отметил Батраз. По словам спикера, каждый музыкальный продукт лейбл создаёт с душой и ценит не меньше остальных, но если это не встречает ожидаемый отклик у аудитории, создатели не перестают любить свои проекты.

Главная сложность в работе с артистами

Молодые артисты, попадая в «зону комфорта», расслабляются, так как находятся в среде опытных продюсеров и команд. Батраз отметил подход лейбла «Hajime» к работе с такими случаями: «Со своей стороны, мы, конечно, стараемся таким людям дать "холодный душ"».

Как сегодня продвигать артиста не через клипы в соц. сетях

«Я верю в плей-листы», — отметил спикер. Батраз рассказал, что считает важным налаживание взаимоотношений с редакциями с целью сотрудничества и конечного попадания «вашего артиста» в плей-листы и подборки. «Я вижу цифры, это даёт хороший рост», — подчеркнул эксперт.

Закрытость против желания коллабораций

Со стороны лейбла есть определённая группа взаимодействий и решений, с которыми команда точно не работает (например, вечеринки, конвейерные медиа-материалы), а точечные предложения имеют место быть. Вдобавок к этому спикер подчеркнул: «Наши молодые артисты так быстро погружаются в творчество, что очень скоро их перестаёт интересовать подобное».

Каким должен быть артист и что отличает новое поколение

«Артист должен быть на 100% вовлечён во всё, что происходит вокруг него», — считает продюсер. Новое поколение артистов мыслит шире и глубже: они вовлекаются в работу, следят за трендами, иногда даже приходят с креаторами-помощниками и готовят многое сами. Батраз отметил то, как с этим работает лейбл: «Мы наблюдаем за их ростом, помогаем технически или материально».

Что ждёт музыкальную сферу РФ в будущем

«Российскую музыкальную индустрию точно ждёт большое будущее. Она — живой организм. В последнее время появилось много новых игроков и подходов к работе. Не могу предсказать, что будет, но наблюдать очень интересно», — ответил Батраз.

Лана Дель Рей, одна из самых ярких звёзд современной поп-музыки, прошла тернистый путь от выступлений в небольших барах до мировой славы. Её история — это не только рассказ о таланте и упорстве, но и пример того, как продюсер может сыграть ключевую роль в становлении артиста. В этой статье рассмотрим, как сотрудничество с разными продюсерами повлияло на карьеру Ланы Дель Рей и какие уроки можно извлечь из этого опыта.

До того, как стать Ланой Дель Рей, 18-летняя Элизабет Вулридж Грант из пригорода Нью-Йорка выступала в небольших барах под разными псевдонимами. В то время был популярен сервис «MySpace», на котором начинающие артисты могли делиться своей музыкой — этим и занималась молодая исполнительница. Опубликованный Элизабет Грант альбом «Sirens» не стал музыкальным прорывом, однако благодаря ему на певицу обратил внимание независимый американский лейбл «5 Points Records» и продюсер Дэвид Нихтерн. Тогда, по словам продюсера, Лана играла на маленькой акустической гитаре и производила впечатление «немного мрачной, но очень умной» молодой женщины. План Дэвида Нихтерна был такой: выпуск EP (Extended Play, т. е. «мини-альбом» или «миньон»), альбом, а потом тур после окончания учебы певицы. В начале 2000-х певица выпустила несколько песен и даже альбомов, но вплоть до 2011 года все проекты Элизабет Вулридж Грант заканчивались удалением треков с цифровых площадок и выкупом прав на альбом — сбыться плану продюсера было не суждено. Неизвестно, что именно послужило причиной для сноса пластинки с платформ. Сама исполнительница говорила о проблемах лейбла с финансированием промокампании, а Нихтерн настаивал, что Лана и её новый менеджер сами потребовали убрать альбом со всех возможных площадок. Более того, продюсер был возмущён словами певицы о том, что якобы из-за лейбла её карьера застыла на месте.

Первым крупным успехом Ланы Дель Рей стал клип на трек «Video Games», опубликованный на собственном YouTube-канале исполнительницы. Волна романтики захватила интернет, поэтому в скором времени Лана подписала контракт со студией «Universal» и её дочерним лейблом «Interscope». Вместе с официальным синглом «Video Games» к певице пришла мировая слава. Она впервые попала в европейские чарты, издание «NME» в 2014 году поместило эту песню на 87 строчку в списке 500 лучших треков всех времён, а в 2019 году музыкальный журнал «Pitchfork» отдал треку 9 место в списке 200 лучших песен 2010-х. Вместе с альбомом «Born To Die», выпущенным певицей на волне популярности, начался путь современной звезды мировой поп-сцены.

В 2014 году был издан альбом «Ultraviolence» в соавторстве со звукоинженером и продюсером Дэном Ауэрбахом из «The Black Keys». Интересно, что Лана и Дэн спонтанно решили изменить звучание альбома и перезаписать уже законченные композиции: песни были выдержаны в таких стилях, как дезерт-рок, психоделический рок и софт-рок, а также заимствовали элементы дрим-попа и джаз-фьюжна. Тем не менее альбом встретил неоднозначные отзывы критиков и слушателей. Среди аспектов продукта, которые вызывали вопросы, сомнения и возмущения, были использованные образы, работа с жанрами, мелодичность и навязчивость композиций, наличие хитов и даже участие самой Ланы Дель Рей в работе над музыкальным альбомом. Борис Даль из «Rolling Stone Russia» отметил, что продакшен Ауэрбаха нуждался в «более радикально настроенном к выбранному жанру продюсере».

После выпуска альбомов «Honeymoon» (2015) и «Lust For Life» (2017) Лана Дель Рей признавалась, что впала в творческий кризис, из которого ей удалось выбраться лишь в 2019 году — тогда о ней вспомнил и говорил весь мир. Вместе с продюсером Джеком Антоноффа она выпустила альбом «Norman Fucking Rockwell!». В этом проекте Лана отдала дань уважения знаменитому иллюстратору журнала «The Saturday Evening Post» Норману Роквеллу и выразила своё ироничное отношение к реальности — как отмечал продюсер, в музыке Дель Рей его привлекали глубина и юмор, которые не всегда были очевидны широкой публике. Звучание альбома было традиционным для Дель Рей, с отказом от массивных ударных инструментов в пользу более «мягких» жанров — фолка, софт-рока. Поэтическая часть здесь вышла на новый уровень: сарказм, колкая ирония и точность высказываний стали главным отличием от прошлых работ певицы. Альбом получил высокую оценку критиков: в «NME» отметили, что звучание «богемного фолка» отличается от привычной «поп-эйфории» продюсера, а другие отмечали психоделическое рок-звучание альбома, отсылающее к 1960-м.

Джек Антонофф также продюсировал и последующие альбомы Ланы Дель Рей, и это сотрудничество принесло измеримый успех обоим:

• «Chemtrails Over the Country Club» 2021 года возглавил музыкальный альбомный чарт «Billboard Top Album Sales», который ранжирует самые продаваемые альбомы года
• альбом 2023 года «Did You Know That There's A Tunnel Under Ocean Blvd» был номинирован на «Грэмми» в двух категориях — «Лучший альбом года» и «Лучший альтернативный альбом», а трек «A&W» — как «Лучший трек года» и «Лучшее альтернативное исполнение» и др.

Уже будучи успешным продюсером, Джек Антонофф собрал собственную рок-группу «Bleachers». Лёгкий поп-рок этого коллектива существует за рамками бешеной популярности других проектов продюсера. В 2014 году Антонофф признался, что группа «Bleachers» ждала своего часа около 10 лет, пока будущий продюсер копил треки для будущего проекта. В одном из интервью для издания «Volture» эксперт поделился:

Мне нужно хобби, и я не хочу, чтобы это был баскетбол... Я хочу, чтобы это была музыка. Поэтому, чтобы отдохнуть от одной музыки, я работаю над другой. Если я продюсирую что-то или пишу с кем-то другим, песни для «Bleachers» или «fun.» — это отдушина, которая сохраняет во мне творчество.

Несколько лет назад Джек Антонофф открыл редакции «Billboard» свои 5 принципов высокоэффективного продюсера:

1. Не позволяйте коммерческим выгодам отвлекать вас в творческом пространстве: фокусироваться стоит не только на бизнес-целях, но и на реализации творческого потенциала артиста
2. Порой «искра» требует времени, чтобы прийти: как отмечает продюсер, он способен работать лишь с теми, кто знает, кто он и в каком направлении он желает двигаться
3. Иногда хиту нужно реально много времени: на основе своего опыта, Джек Антонофф уверяет, что следует верить в свои проекты от начала и до конца, поскольку хуже этого неверия только быть в нём уличённым
4. Амбиция проявляется в разных формах: перспективы индивидуальны, и продюсеру важно их видеть и использовать на благо своих проектов
5. Делайте шаг сами: примером этому служит не только постоянный анализ продюсером сферы и актуальных трендов, но и способность самостоятельно шагнуть навстречу новым целям и проектам (так, как Антонофф сделал это с группой «Bleachers»)

Сегодня помимо Тейлор Свифт, Лорд и Ланы Дель Рей, Джек Антонофф также сотрудничает с представителями альтернативной музыкальной сцены. Среди них — эксцентричная St. Vincent с альбомом «Daddy’s Home», поп-психоделическая группа «Florence & The Machine» и их пятый релиз «Dance Fever», а также британские альт-рокеры «The 1975», выпустившие пластинку «Being Funny in a Foreign Language».

Технологии синтеза речи и генерации музыки («Suno AI» и другие модели) позволяют быстро выпускать треки и «клонировать» голоса. Это даёт неограниченные коммерческие возможности, но одновременно создает юридические риски (Кейс Music labels sue AI companies Suno, Udio for US copyright infringement).

В РФ нет отдельной статьи в ГК, прямо называющей «голос» самостоятельным объектом личных не имущественных права или объектом авторского права. Тем не менее существуют смежные нормы: например, неприкосновенность частной жизни, защита чести, достоинства, деловой репутации. В ряде ситуаций их комбинация может давать правовую защиту против несанкционированного использования записи голоса.

Актриса дубляжа (А. Андронова) — случай, когда голос её синтезировали и использовали в спорном контенте. Авторитетных судебных решений по этому кейсу пока немного, но он служит иллюстрацией рисков. Сегодня учёные приходят к выводу об однозначной необходимости маркировки генеративного контента.

В России идёт активное обсуждение изменений ГК РФ в части необходимости защиты голоса как личного нематериального блага. Такая инициатива была внесена в ГосДуму РФ (Законопроект №718834-8).

Согласно тексту законопроекта, обнародование и дальнейшее использование голоса гражданина (в том числе записи, в которой содержится воссозданный с помощью специальных технологий голос гражданина) допускаются только с согласия этого гражданина.

В пояснительной записке к документу отмечено, что предлагаемые изменения устранят пробел в правовом регулировании в отношении голоса гражданина и закрепят принципы его использования только при наличии согласия гражданина, кроме установленных исключений.

Согласно ст. 1257 ГК РФ, автором признаётся физическое лицо, творческим трудом которого создано произведение. Это фундаментальная проблема: если произведение создано ИИ, то формально автора нет, и охрана в классическом виде не может и не должна наступать (например, можно использовать материалы)

Есть два ключевых подхода:

• Результат, созданный автономно ИИ (без творческой доработки человека) —предлагается относить имущественные права на такие результаты к оператору платформы (или иным договорам).
• Результат, созданный человеком с использованием ИИ (человек внёс творческий вклад) — произведение может быть признано объектом авторского права с авторством человека. Однако в этом случае рушится другой фундаментальный аспект: творчество презюмируется.

Использование охраняемых произведений для обучения моделей — отдельный фронт споров (дела в США и иски против «Suno AI»).

В РФ действуют нормы о «свободном использовании» (ст. 1270 ГК РФ), но российская доктрина указывает на ограничения: использование должно не «наносить ущерба нормальному использованию» охраняемых произведений.

Suno: про права и монетизацию
Suno публично указывает в условиях, что пользователь несёт ответственность за свои запросы и результаты. При покупке подписки пользователь получает право на монетизацию. При бесплатном использовании монетизировать треки нельзя, но можно свободно использовать их в некоммерческих целях.

Кто чем владеет?
Вы владеете своим «Вводным промптом» (Input Prompt). Ваши тексты, идеи и запросы — это ваша интеллектуальная собственность. «Suno AI» владеет платформой и моделями ИИ. Вы владеете сгенерированным «Выходным контентом» (Output Content), то есть вашими треками, но при условии соблюдения правил.

Ваши права на трек
При соблюдении Условий использования, «Suno AI» предоставляет вам всемирную, безотзывную, неисключительную лицензию на ваш трек.

Вы можете: использовать, копировать, распространять, делать ремиксы и делиться своими треками. Вы можете делать это в любых целях, включая коммерческие, но только если у вас платная подписка.

Цитата из условий: «Если у вас есть платная подписка... вы можете использовать Выходной Контент в коммерческих целях... Если у вас нет платной подписки, вы можете использовать Выходной Контент только в некоммерческих целях.» («If you have a paid account... you may use Output Content for commercial purposes... If you do not have a paid account, you may use Output Content for non-commercial purposes only.»)

Обязательные условия и ограничения
Даже с платной подпиской вы не можете:

• Распространять треки «как есть» в качестве контента, созданного ИИ. Вы должны добавить свою «творческую составляющую». Проще говоря, трек должен быть частью большего проекта (видео, подкаст, саундтрек к игре), а не просто лежать на стриминге как трек от «Suno AI».
• Использовать треки незаконным образом: нарушать чужие авторские права, создавать негативный контент, вводить в заблуждение и т.д.
• Претендовать на владение самими моделями ИИ или пытаться отозвать лицензию «Suno AI» на создание похожего контента для других пользователей.

Ваша ответственность (очень важно!)
Вы гарантируете, что ваш вводный промпт (текст, идея) не нарушает авторские права других людей.

Вы несёте ответственность за то, как вы используете сгенерированный трек. Если вы нарушите закон с его помощью, ответственность лежит на вас.

То есть сгенерированный контент может нарушать чужие авторские права, переработка может быть недостаточной с точки зрения охраны авторского права, где границы такой переработки весьма условны и устанавливаются судами в каждом конкретном случае.

Мы поговорили лишь о Suno, но обращаем внимание, что некоторые платформы оставляют за собой права на сгенерированный контент или предлагают коммерческие программы партнёрства.

Правовой «релиз голоса» — всегда нужно заключать контракт.

Если диктор/актёр/исполнитель отдаёт образцы голоса или создаёт «клоны», обязательно заключайте письменный договор с чётким набором прав (объём, сроки, территориальный охват, ограничения по использованию, коммерческая доля). Это защищает и даёт основание для монетизации. В противном случае возможны иски о нарушении личных неимущественных прав/ущерба репутации. Если используете публичный голос, согласие тем более обязательно. Использование чужого узнаваемого голоса (имитация) может быть оспорено по различным основаниям: личные неимущественные права, смежные права, недобросовестная конкуренция.

Контролируйте источник обучающих данных: чем чище тренировочные данные (собственные семплы, купленные лупы, лицензионные наборы), тем ниже шанс претензий.

Подумайте над возможностью маркировки AI-контента — по этическим соображениям в том числе. Маркировка снижает репутационные риски.

Храните доказательства творческого вклада (проектные файлы, версии, логи промптов) — пригодится в спорах об авторстве.

Используйте лицензионные/купленные сэмплы и чистые авторские (не сгенерированные) данные.

Ситуация A: «ИИ сгенерировал песню, напоминающую известную мелодию» — возможны иски о плагиате. Нужно собирать логи промптов, показывать отличия и доказать независимость генерации или лицензии на данные.

Ситуация B: «Синтезирован голос актёра для рекламы без согласия» — защита через нематериальные личные права (честь, репутация), а также договорные претензии. Надо срочно требовать удаления и компенсации.

Ситуация C: «Платформа монетизирует созданный контент, хотя вы думали, что они ваши» — анализ пользовательских соглашений. Возможно требование возмещения или пересмотр условий сотрудничества.

Вместе с тем, сегодня многократно улучшенные промпты и скурпулёзная работа с ИИ позволяют создавать поистине уникальные произведения, а творческий вклад человека состоит как раз в отыскании идеального результата. Добавляйте собственные сэмплы, работайте с результатом дополнительно.

ИИ — это мощный ассистент, но не заменитель человека, перепроверяйте данные за ним, всегда!

В 1970-х годах группа «Kraftwerk» и продюсер Конни Планк совершили революцию в музыкальной индустрии, создав основу для современной электронной музыки. Их сотрудничество стало примером того, как продюсер может не только управлять процессом записи, но и активно участвовать в создании нового звучания.

Группа «Kraftwerk», возглавляемая Ральфом Хюттером и Флорианом Шнайдером, стремилась создать музыку, отражающую индустриальную эпоху и технологический прогресс. Конни Планк, известный своими инновационными подходами к звукозаписи, стал идеальным партнёром для реализации смелых идей. Именно он предложил использовать нестандартные методы создания музыкального продукта, такие как обработка звука с помощью аналоговых синтезаторов и экспериментальных эффектов. Эти приёмы позволили группе создать уникальное, механистичное звучание.

Конни Планк черпал вдохновение в британской и американской рок-музыке: в частности, в работах «Rolling Stones», Джими Хендрикса и «Velvet Underground». Тем не менее он счёл бессмысленным подражание их стилю и жанру, из-за чего решил разработать способы придания группам заметной европейской идентичности и уникального звучания. Более того, продюсер посещал курсы по новой музыке, где преподавали Штокхаузен и Берио — величайшие композиторы того времени. В студии он был интуитивным, новаторским и экспериментальным. Конни Планк создал собственный многоканальный микшер, а вместе с ним и музыкальный мир: он видел потенциал в самых примитивных и безобидных предметах, и с помощью микшера, сделанного по его проекту на заказ, записывал и обрабатывал уникальное звучание окружающих вещей.

По мере того, как карьера Конни Планка продвигалась вперёд, его работы стали определяться не столько стилем или жанром, сколько знаком качества и последовательностью — этот продюсер избегал жанра и топтал предсказуемость. Он работал с «Kraftwerk», «Neu!», «Cluster», «La Dusseldorf», «Guru Guru» и «Can». Работа Планка как продюсера была уникальной, поскольку одним из его самых больших применений идентичности был не только звук, метод записи или интуитивное сэмплирование, но и его способность извлекать потенциал из людей, с которыми он работал. Одна из фраз, которую он обычно говорил, звучала так: «Заставь меня чувствовать». Это означало, что от артиста ожидалось нечто, что могло было заставить продюсера (как и исполнителя) ощутить что-то внутри. Конни Планк обладал способностью улавливать «горячие моменты», поэтому, ощутив движение в верном направлении, он вовлекался в это, помогая артисту сделать ещё один шаг вперёд. Зачастую продюсер самостоятельно убирал себя и своё эго из творческого процесса, что позволило наиболее многим ярким личностям поистине проявиться в его работах.

Для группы «Kraftwerk» Конни Планк не просто продюсировал альбомы, он был их соавтором. Его навыки звуковой инженерии и креативный подход позволили коллективу реализовать свои идеи на новом уровне. Он активно участвовал в процессе создания музыки, предлагая новые звуковые решения и помогая группе найти свой уникальный стиль.

Тем не менее до сих пор не утихают споры о том, в какой степени Конни Планк относится к наследию «Kraftwerk». Продюсеру было отказано в авторских правах со стороны группы, которые, как многие убеждены, он по праву заслуживал. На альбоме он указан как «звукоинженер» — то есть, как технический специалист, который лишь записывает то, что другие представили в качестве своих идей. Это стало поводом для единственной в жизни Конни Планка встречи с адвокатом. К сожалению для Конни Планка, из-за дружеских отношений с Ральфом и Флорианом ничего не было оформлено на бумаге, и у него не оказалось юридических возможностей, чтобы призвать коллектив «Kraftwerk» к ответу.

Спустя много лет записи Конни Планка кажутся вневременными. Благодаря новаторскому методу извлечения и обработки звука и желанию продюсера двигаться вперёд, треки и проекты продолжают жить в сердцах многих людей, оставаясь свободными от модных стилей.